Kunst-Special Herbst 2024

special

Wunderbarer Haarsalon

Text: Jörg Restorff

01. Okt. 2024

Hoda Afshar: Untitled #4, From the series In Turn, 2022. © Hoda Afshar/Milani Gallery, Meeanjin/Brisbane

Die Ausstellung »Grow It, Show It!« im Essener Museum Folkwang macht die Behaarung zum Ariadnefaden einer eindrucksvollen kulturgeschichtlichen Präsentation.

»Schönes Haar ist Dir gegeben / Lass es leben«! Eine Ausstellung im Essener Museum Folkwang überträgt den Werbespruch in den Kunstkontext. »Grow It, Show It!« macht die Behaarung zum Ariadnefaden einer eindrucksvollen kulturgeschichtlichen Präsentation.

Haare sind formbar. Und flexibel. Wie sehr, das erfahren die Besucher*innen gleich am Eingang am eigenen Leibe: Wer sich vor den drei mächtigen, energisch rotierenden Propellern einer Installation von Leyla Yenirce postiert, dessen Haare werden buchstäblich vom Winde verweht. »Nacht. Schlaf. Die Sterne.«, so hat die in Berlin lebende kurdische Künstlerin ihre Arbeit betitelt. Im Mittelpunkt steht das tragische Schicksal der jüdischen Malerin Anita Rée, die 1933 vor dem Faschismus in den Freitod floh. Ein Video zoomt ganz nah an dichtes wehendes Haar heran – der 17-minütige Film symbolisiert Gewalt, Zerstörung und Auslöschung.

Ein düsterer, bedrückender Einstieg in eine Ausstellung, die aufs Ganze gesehen völlig andere Empfindungen hervorruft: Es ist eine Lust, diese rund 1400 Quadratmeter umspannende, kulturgeschichtliche Präsentation zu erkunden. Bart, Kopf- und Körperhaar, Bubikopf, Beehive und Braids, Kunstfrisuren, Perücken und Haarverlängerungen, queer-feministische und körperpolitische Aspekte – dies alles und manches mehr kommt zusammen in der Ausstellung »Haare im Blick von Diane Arbus bis TikTok«.

Ein Füllhorn, prall bestückt mit Fotografien, Videos und Musikclips, mit Porträts sowie Fundstücken aus Modefotografie und Werbung. Kein Zweifel: Die Schau hat das Zeug zum Blockbuster, weil sie sich mit sehenswerten Werken eines populären Themas annimmt. Schließlich lässt die tolle (oder nicht so tolle) Tolle niemanden kalt. Wir alle (mit Ausnahme der Kahlköpfigen) betrachten unser Haupthaar mehrfach am Tag im Spiegel – mal mit Wohlgefallen, mal mit Verdruss.

Verborgene Haarzonen

Dass weibliches Haar dagegen in repressiven Gesellschaften oftmals tabuisiert wird, das bezeugt in krasser Form der Kopftuchzwang in Afghanistan oder in Iran. Verborgene Haarzonen aber gibt es auch in der westlichen Welt – das »Schamhaar« trägt seine Bezeichnung nicht von ungefähr. Dessen Ver- und Enthüllung greift Anna Ehrenstein in ihrer witzigen Arbeit »Western Girl« auf. Die Medienkünstlerin, als Kind albanischer Eltern 1993 in Deutschland geboren, nimmt die »Bikinizone-Rasur« aufs Korn. Bei Ehrenstein sprießt das Geschlechtshaar munter über das Höschen hinaus. Eine subversive Geste der Entgrenzung, die auch auf den »lady garden« anspielt – auf Social Media eine obszöne Zone, die der Zensur anheimfällt.

Haare als Quelle von Lust und Last, als Träger diverser Bedeutungen – ein unerschöpfliches Thema. Wer die Biologie befragt, erfährt, dass es sich beim Haar um ein fadenförmiges Horngebilde handelt. Dass der aus Keratin bestehende hauchdünne Faden zugleich lebendig (in der Wurzel) und tot (in der Strähne) ist. Dass Blonden durchschnittlich 150.000 Haare auf dem Kopf wachsen, Schwarzhaarigen dagegen bloß 110.000 – Rothaarige müssen sich gar mit maximal 75.000 Kopfhaaren begnügen.

In der Essener Ausstellung spielt das Echthaar bloß eine Nebenrolle. Als kunstvoll geflochtenes Arrangement umrankt es beispielsweise eine anonyme historische Porträtfotografie. Und in Annegret Soltaus Serie »Meine verlorenen Haare« (1977) fristet es ein eher kümmerliches Dasein in zwölf Klarsichtordnern, die in einer Vitrine präsentiert werden: Auf 183 Blättern hat die Body-Artistin jene Haare geklebt, die ihr an 183 Tagen ausgefallen sind.

Konterkariert werden diese Verlustanzeigen durch elf Fotos mit prachtvoll wallender Mähne, die über der Vitrine hängen. Eine Lesart von Soltaus Arbeit lautet, frei nach Goethe: Nach dichtem Haar drängt, am dichten Haar hängt doch alles. Dies demonstrieren im Museum Folkwang zahlreiche Exponate: beispielsweise die lebensgroßen »Bravo«-Starschnitte von drei Bands, deren Frisuren für Furore sorgten. Die Rede ist von den Beatles, von Modern Talking und Tokio Hotel. Der Ausdruck »Haarpracht« kommt einem unweigerlich auch in den Sinn, wenn man die Fotografien von Weronika Gęsicka, Suffo Moncloa, Viviane Sassen oder Marie Tomanova betrachtet.

Stigma Glatze

Dem Gegenpol, der Glatze, haftet nach wie vor ein Stigma an. Obwohl Studien zu dem Ergebnis kommen, Glatzenträger würden oft als dominanter und männlicher wahrgenommen werden. Skeptischer ist die »Dr. Wolff-Forschung«: »Männer würden für volles Haar Lebensjahre opfern«. Frauen mit Sicherheit ebenfalls. Manchmal grätscht das Schicksal brutal dazwischen: In der Ausstellung vergegenwärtigt ein anrührendes Bild des US-Dokumentarfotografen Eugene Richards, dass das Leben plötzlich an einem Haar hängt, wenn eine existenzbedrohende Krankheit zuschlägt. So widerfuhr es seiner ersten Ehefrau Dorothea Lynch, die an Brustkrebs erkrankte. In seiner 1986 veröffentlichten Serie »Exploding into Life« hat Richards sie unter anderem nach der Chemotherapie fotografiert. Wie beim biblischen Samson signalisiert der Verlust des Haares den – vorübergehenden – Verlust der Lebenskraft.

Miriam Bettin und Thomas Seelig, die Kurator*innen der Folkwang-Ausstellung, haben den Parcours, der von der Fotografie des 19. Jahrhunderts bis zu aktuellen Lifestyle-Phänomenen reicht, durch ein zentrales Forum aufgelockert. In dieser »Haarena«, wie das Museum die Zone nennt, sorgt die Schwarzweiß-Reproduktion eines Bühnenbildes, das die Schweizerin Anna Abegglen in den 70er Jahren entwarf, für nostalgische Friseur-Atmosphäre.

Eingeklinkt in den wunderbaren Haarsalon sind verschiedene Exponate. Ein besonderer Blickfang: Ein Video des Barbiers Murat Turkoglu, der es unter dem Künstlernamen Barber Turko zum Social-Media-Star gebracht hat. Der Clip zeigt, wie er störende Gesichtsbehaarung durch Waxing mit der Wurzel ausrottet. Angeblich ein Beitrag zum Zeitgeistphänomen ASMR – auf YouTube, TikTok und Instagram gibt es eine globale Community, die Flüstern, Knistern oder sanfte Bewegungen als entspannend empfinden. Das Video in der »Haarena« dagegen appelliert eher an unsere Empathie, die sich regt, wenn andere Menschen leiden.

Helmut Newton: Courrèges, French Vogue 1970. © Helmut Newton Foundation

Wie beim Friseur nimmt man in einer Art Wartebereich Platz. Dafür findet man hier spezielle Sitzgelegenheiten, entworfen vom Duo Chaumont-Zaerpour. Schlichte Boxen haben die Modefotografen mit einschlägigen Motiven aus Magazinen verkleidet. Nach dem Ende der Ausstellung werden die behaarten Möbel für 250 Euro pro Stück verkauft. Eine weitere Besonderheit der kurzweiligen Folkwang-Inszenierung sind die teils sinnreichen, teils witzigen Zitate, denen man beim Rundgang begegnet. »Haare und Gedanken lassen sich nicht bändigen«, beteuert die finnische Autorin Maria Antas. Deutlich dezidierter eine Maxime von Coco Chanel: »Eine Frau, die ihre Haare abschneidet, ist dabei, ihr Leben zu verändern.« Dass Frisuren unter Umständen viel mit Politik zu tun haben, brachte die Mode-Expertin Susan J. Vincent auf den Punkt: »Wie Che Guevara und Fidel Castro uns gelehrt haben, sind Revolutionäre immer haarig.«

Karl Marx würde dem wohl nicht widersprechen. Haare steigern eben nicht nur die Attraktivität. Sie dienen nicht bloß als Erkennungszeichen, das die Zugehörigkeit zu gesellschaftlichen, religiösen oder kulturellen Gemeinschaften bekundet. Sie sind auch ein Politikum. Haare als sanftes Protestsymbol, als Sinnbild der Emanzipation, für diese Bildbotschaft stehen beispielsweise Arbeiten von Hoda Afshar, Thandiwe Muriu oder Maria Tomanova.

Politisch aufgeladen ist auch der Slogan der Ausstellung, den die Kurator*innen dem Musical »Hair« entlehnt haben. »Grow it, show it, long as I can grow it, my hair«, so lautet eine Zeile der Hippie-Revue, die 1968 am Broadway ihre Uraufführung erlebte. Üppige Mähnen und schwarzes Naturhaar bekamen hier gleichsam religiöse Weihen: »My hair like Jesus wore it, Hallelujah, I adore it.« Vor dem Hintergrund des Vietnamkriegs und der afroamerikanischen Bürgerrechtsbewegung signalisierte das »Laissez-faire« im Kopfbereich, dass es an der Zeit sei, alte Zöpfe abzuschneiden. Gemeint waren damit die damals vorherrschenden autoritären und rassistischen Gesellschaftsstrukturen.

Allerdings ist nicht jede Haartracht politisch relevant. Merkwürdig blass, ja bar jeder Erkenntnis zum Thema bleibt Herlinde Koelbls fotografisches Langzeitprojekt mit Angela Merkel. Die Münchner Fotokünstlerin hat Merkel drei Jahrzehnte lang porträtiert – einmal im Jahr, stets vor neutralem weißen Hintergrund, in jenen zurückgenommenen Posen, wie sie für die langjährige Bundeskanzlerin charakteristisch sind. Der Folkwang-Fotofries, der den unvermeidlichen Alterungsprozess vor Augen führt, funktioniert zwar als Porträtgalerie, nicht aber als Zeugnis für die Wirkmächtigkeit von Haaren. Selbst als sich der Promi-Friseur Udo Walz um die »haarigen Angelegenheiten der mächtigsten Frau der Welt« kümmerte, vermochte Merkel dem Schema »Topf-Frisur« kaum zu entrinnen.

»Grow It, Show It! Haare im Blick von Diane Arbus bis TikTok«

Museum Folkwang, Essen, bis 12. Januar 2025

museum-folkwang.de

Wo die Rosen der direkten Demokratie erblühen

Text: Stefanie Stadel

04. Okt. 2024

Michael Ruetz: Düsseldorf, 11. November 1972. © Michael Ruetz, Courtesy Van der Grinten Galerie, Köln

Das einstige Wohn- und Atelierhaus von Joseph Beuys in Düsseldorf macht jetzt die Brunhilde Moll Stiftung zu ihrem Sitz und auf Dauer öffentlich zugänglich.

Lange war unklar, was mit dem einstigen Wohn- und Atelierhaus von Joseph Beuys in Düsseldorf werden soll. Das Land NRW zeigte kein Interesse. Und so landete die Wirkungsstätte des Jahrhundertkünstlers schließlich als Luxus-Immobilie auf dem freien Markt. Doch nun wendet sich noch alles zum Guten: Die Brunhilde Moll Stiftung ist eingesprungen, macht den Altbau in Oberkassel zu ihrem Sitz und auf Dauer öffentlich zugänglich.

Joseph Beuys hatte sein Zeug in einen Lederkoffer gepackt. Seiner Frau Eva reichte ein kleiner Korb von der Großmutter. Es war ein denkbar unkomplizierter Umzug, den das junge Paar im März 1961 bewerkstelligte. Gotthard Graubner war schon vor Ort in Oberkassel, konnte sich aber die Miete allein nicht leisten. Deshalb hatte er sich das Ehepaar Beuys als Mitbewohner im schönen Altbau am Drakeplatz 4 ausgeguckt – heute eine ziemlich wohlhabende Gegend. Eva und Joseph lebten hier jedoch mehr als schlicht, bald mit den beiden Kindern Wenzel und Jessyka.

Bis zu seinem Tod 1986 ging Beuys ein und aus am Drakeplatz – und nicht nur er. Auch allerhand Prominenz kam zu Besuch – sogar Andy Warhol soll einmal vorbeigeschaut haben. »Sein Atelier war stets voller Leute«, erinnerte sich der Beuys-Freund Franz Joseph van der Grinten. »Ein riesiger Raum, der auch als Wohnzimmer diente, alle rauchten wie Kraftwerke. Mittendrin das Kinderbett.«

Wie mag es dort heute aussehen? Gespannt klopft man an die große Holztür und wird empfangen von Elza Czarnowski, Künstlerische Leiterin der Moll Stiftung, von Gerhard Finckh, ehemals Direktor des Wuppertaler Von der Heydt-Museums, und vom Lärm eines Bohrers, der die letzten Umbauarbeiten begleitet. In den vergangenen Monaten ist das alte Atelier-Haus, wo seit 1908 etliche Künstler gelebt und gewirkt hatten, zum schicken Stiftungssitz aufgemöbelt worden. Es scheint wie gemacht für die 2020 gegründete Brunhilde Moll Stiftung, die neben der Hirnforschung an der Düsseldorfer Heinrich-Heine-Universität auch Kunst und Kultur fördert und vor allem Bildende Künstler*innen unterstützen will.

Ehemaliges Wohn- und Atelierhaus von Joseph Beuys am Drakeplatz 4 in Düsseldorf. © Manos Meisen, 2024

Die Rechnung geht auf, so scheint es auch beim Rundgang durchs Haus, das man mit Vorsicht und Bedacht an die neue Funktion angepasst hat. Verändert wurde nur das Nötige – so konnte auch das quietschrosa Badezimmer der Familie Beuys seine Fliesen behalten. Ins obere Stockwerk könnten bald schon Stipendiat*innen der Stiftung einziehen. Und die beiden großen Räume im Erdgeschoss sollen künftig Ausstellungen und Veranstaltungen Platz bieten.

Zum Einstand holen Finckh und Czarnowski eine kleine Beuys-Schau ins Haus. Alle Werke stammen aus der Ernst Franz Vogelmann Stiftung in Heilbronn und von dem Galeristen Bernd Klüser, der vor allem Stücke aus seinem privaten Fundus schickt, darunter viele, die er daheim gern um sich hat und selten verleiht.

Reizvoll die Vorstellung, dass Beuys diese Zeichnungen, Druckgrafiken, Multiples und Plastiken vor Ort am Drakeplatz erdacht und vielleicht auch geschaffen hat. Im großen Atelier und Denkraum, den der Künstler überwiegend für sich allein beanspruchte, oder nebenan in der multifunktionalen Wohnküche mit dem legendären Lederboden, den Eva Beuys beim Auszug mitgenommen hat. Heute ist hier Parkett verlegt.

Ein wenig Süden im Hof

Auch der große Kühlschrank, den man auf alten Fotos sehen kann, ist längst verschwunden. Ebenso der Herd, an dem Beuys seine Gäste gern rustikal bekochte. Und der Fernseher, vor dem sich die ganze Familie Anfang der 70er versammelt hatte, um »Raumschiff Enterprise« zu schauen. Nur jene unscheinbare Öffnung in der Ecke hinter der Tür blieb. Beuys hatte hier ein Ofenrohr entfernt und so »Das schwarze Loch« geschaffen. Es wird nun sicher auch von den neuen Besitzern gehegt und gepflegt.

Ebenso wie das Grün hinter dem Haus, in das der Blick vom Atelier aus fällt. Nur ein Schritt und schon steht man im Hof, den Beuys so liebte und als sein Paradiesgärtlein anlegte. Mit Myrte, Lorbeer und Olive zauberte er sich ein wenig Süden an den Drakeplatz. Der kleine, stabile Gartentisch mit Marmorplatte, an dem der Künstler wohl manchmal arbeitete, hat über die Jahrzehnte gehalten. Und den stattlichen Feigenbaum, der mitten im Hof gedeiht, soll er persönlich gepflanzt haben. Auch jener Rosenstrauch, der sich bis heute an die Mauer lehnt, hat Geschichte. Denn ab und zu, so sagt man, habe Beuys von eben jenem Busch eine Blüte abgeschnitten und in eine Art Reagenzglas gestellt: Die »Rose für direkte Demokratie« begleitete ihn seit der documenta 5 (1972) bei vielen, vielen politischen Diskussionen, die er als Künstler und als Gründungsmitglied der Grünen führte.

Petra Kelly gehörte wohl auch auf die lange Liste der illustren Gäste am Drakeplatz. In der Eröffnungsausstellung erzählt jetzt ein überaus origineller Plakatentwurf vom grünen Kapitel im Schaffen von Beuys. Im Zentrum steht die Skulptur »Der Unbesiegbare« – in Wirklichkeit ein kleiner Knetgummihase, der auf dem Wahlplakat von einem bewaffneten Spielzeugsoldaten bedroht wird. Bei den Parteigenossen fand die Idee wenig Zuspruch. Doch zeigt sie einmal mehr, wie eng für Beuys alles zusammenhing: Leben und Kunst, Kochen, Kinder, Politik, Protest, direkte Demokratie auf der documenta und die Rose aus dem eigenen Garten am Drakeplatz 4 in Düsseldorf-Oberkassel.

Ausstellung: »Joseph Beuys, Drakeplatz 4«, Drakeplatz 4, Düsseldorf

bis 15. Januar 2025

brunhildemollstiftung.de

Seid gespannt!

Text: Katrin Pinetzki

10. Okt. 2024

Alfredo Jaar: Be afraid of the enormity of the possible, Neonarbeit am Säulenportal der Kunsthalle Barmen. © Kunsthalle Barmen, VG Bild-Kunst, Bonn 2024

Am 18. Oktober eröffnet die neue Kunsthalle Barmen in Wuppertal. Sie möchte ein brandheißer Ort für zeitgenössische Kunst und ihre Vermittlung werden – so wie zuletzt vor 100 Jahren.

Der bronzene Bismarck mit seiner Pickelhaube dreht der Barmer Ruhmeshalle den Rücken zu. Er blickt auf die Fußgängerzone, auf »Backwerk« und »Blume 2000«. Kinder klettern auf den Granitsockel des Denkmals. Berührungsängste mit dem Kunstverständnis der Vorväter? Keine Spur – und das soll bitte auch so bleiben, wenn es nach den Initiator*innen der neuen Barmer Kunsthalle geht. Denn die entsteht ausgerechnet in einem Bau, dessen Architekt den Gästen Respekt abnötigen wollte.

»Be afraid of the enormity of the possible«, leuchtet es heute in farbigem Neon jenen entgegen, die die 15 Stufen der imposanten Freitreppe zum Säulenportal hinauflaufen. Angst vor der Zukunft? »Seid gespannt auf die Vielfalt der Möglichkeiten« – so will Isabelle Meiffert, künstlerische Leiterin der ersten Ausstellung in der neuen Kunsthalle, den Imperativ verstanden wissen. Die Leuchtschrift ist eine Arbeit des chilenischen, in New York lebenden Künstlers Alfredo Jaar, die er bereits mehrfach gezeigt hat und die in jedem Kontext anders verstanden werden kann – eine zweideutige, aber fröhliche Hommage an die Ungewissheit. Tatsächlich ist die neue, auf vorerst drei Jahre angelegte Kunsthalle in diesem Gebäude ein Projekt der tausend Möglichkeiten. Ein sechsköpfiges Team um Katja Pfeiffer, Professorin für Kunst an der Bergischen Universität Wuppertal, stellt sich unerschrocken den Herausforderungen.

Isabelle Meiffert (links) und Katja Pfeiffer. Foto: Boris Kralj

Die Ruhmes- und Kunsthalle entstand ab 1897 in historistischem Stil, mit dem Geld der stolzen Bürger der damals noch selbstständigen Stadt Barmen und zu Ehren des Kaisers. Einzelausstellungen zu Franz Marc, Alexej von Jawlensky und Emil Nolde sowie die Werke von August Macke machten Wuppertal in den 10er und 20er Jahren des 20. Jahrhunderts zu einer Hochburg des Expressionismus, der damaligen Gegenwartskunst.

Bloß keine Ehrfurcht vor hoheitlicher Architektur, lautete das Motto beim Wiederaufbau der im Krieg stark zerstörten Halle. Die sozialdemokratisch regierte Stadt eröffnete das Gebäude als »Haus der Jugend« neu, brachte Stadtteilbibliothek und ein Veranstaltungszentrum dort unter. Das Konzept funktionierte, junge Menschen gingen ein und aus – nur die Ausstellungsflächen in der zweiten Etage, eine Dependance des Von der Heydt-Museums, zog immer weniger Publikum an. 2020 war dann ganz Schluss mit der Kunst in der Kunsthalle.

»Ich kenne die Räume seit meinem Studium an der Kunstakademie Düsseldorf. Als ich hörte, dass sie nicht mehr bespielt werden, war ich fassungslos. Dass ich nun die Chance habe, dieses Potenzial zu heben, ist ein Geschenk«, sagt Katja Pfeiffer. Ein »Gravitationszentrum für zeitgenössische Kunst« möchte sie aus dem Ort machen – »das hat Wuppertal bislang nicht«. Die Bergische Universität ist Trägerin der Kunsthalle; beteiligt ist die komplette Fakultät Kunst und Design mit den Studiengängen Kunst, Industrial Design sowie Mediendesign und Raumgestaltung. Für Pfeiffer, die überwiegend angehende Kunstpädagog*innen ausbildet, ist die Kunsthalle eine einzigartige Chance, Kuratieren und Kunstvermittlung zu verweben. »Wie geht kulturelle Bildung in und mit dieser Stadt? Daran wollen wir spielerisch und experimentell arbeiten.« Die Vermittlung sei dabei nicht darauf beschränkt, die Kunst zu erklären, im Gegenteil: Sie werde von Anfang an mitgedacht.

Überraschungen im Alltag

Wie also soll es gelingen, die Nutzer*innen der Stadtteilbibliothek nach oben zu locken, die shoppenden Passant*innen zu einem Abstecher zu verleiten, die Kunsthalle zum Treffpunkt für Studierende zu machen und auch das klassische Kunstpublikum mitzunehmen?

Isabelle Meiffert, Gastprofessorin an der Bergischen Universität, will die Menschen im Wortsinn vor dem imposanten Eingangsportal abholen: »Shared Spaces«, die erste Ausstellung, beginnt schon auf dem Vorplatz. Der liegt zwischen Bundesstraße 7 und Fußgängerzone, hat einige Bäume, Bänke und Mülleimer – aber bislang kaum Aufenthaltsqualität. »Ich bin Fan davon, Menschen in ihrem Alltag zu überraschen«, sagt Meiffert. Das dürfte mit einer Schwitzjurte gelingen, die das Künstlerkollektiv Baltic Raw Org (BRO) aus Hamburg aufbaut – eine Sauna mit Bar, an der man Heilwasser trinken, Atemübungen absolvieren und 20 Minuten lang schwitzen kann. »Mit der Kleidung fallen Hierarchien«, hofft Katja Pfeiffer.

Unhierarchisch soll es auch an einem temporären Brunnen zugehen, der eigens für die Ausstellung entsteht – direkt neben Bismarck-Denkmal und Ruhmeshalle, aber weit weniger repräsentativ. Der sprudelnde »Fountain of knowledge« des Berliner Künstlers Raul Walch lädt dazu ein, sich an den hölzernen Rand zu setzen und beim Blick aufs Wasser zu reflektieren – im doppelten Wortsinn.

Wer derart eingestimmt in Richtung Portikus und durch den Eingang schreitet, macht einen Zeitsprung und findet sich in einem Kultur- und Jugendzentrum der 60er Jahre wieder – innen erinnert nichts mehr an Ruhm und Kaiser. Ein von Studierenden neu gestaltetes Leitsystem lockt die Treppe hinauf zur eigentlichen Kunsthalle – ein klassischer, 400 Quadratmeter großer White Cube, bestehend aus fünf Räumen mit Oberlicht. Neun hochformatige Monitore begrüßen im ersten Raum: Überlebensgroß zu sehen sind Nachrichtensprecher*innen, aufgenommen in einem Moment, in dem sie abwartend schweigen – eine Arbeit des Berliners Heiner Franzen, die, so Meiffert, auch ohne Kunsterfahrung funktioniert.

Blitze im Kopf

In einem Museum in Australien entdeckte die Kuratorin die immersive Lichtinstallation der kroatischen Künstlerin Ivana Franke: Um sie zu erleben, muss man die Augen schließen, während LED-Lichter in einer bestimmten Frequenz blitzen. Die Farben, Muster und Bilder, die in den Köpfen entstehen, sind so individuell wie die Menschen.

Eine Foto-Strecke des Künstlers Isaac Chong Wai (Jahrgang 1990) dokumentiert eine Performance, die in diesem Jahr auf der Biennale in Venedig (bis 21.11.) zu sehen ist: Fünf Tänzer*innen asiatischer Herkunft zeigen eine scheinbare endlose Bewegung des Fallens und Wieder-Aufstehens – eine Arbeit in Reaktion auf Rassismus-Erfahrungen, die auf die Stärke des Zusammenhalts verweist.

Ein ganzer Raum ist dem LAB vorbehalten, dem Vermittlungslabor, in dem die Besucher*innen auch werken können. Vorbild dafür sind unter anderem Upcycling-Möbel, die die Industrial Designer der Wuppertaler Uni bereits aus Sperrmüll und Zurrgurten entworfen haben.

Die Bergische Universität stellt das wissenschaftliche Personal und die Verwaltung für das Experiment, Träger einer Kunsthalle zu sein – das Geld für die Kunst muss das Team selbst besorgen. Und so ist Isabelle Meiffert nicht nur als Kuratorin, sondern auch als Funding-Managerin unterwegs. Für die erste Schau hat es knapp geklappt, drei Ausstellungen sollen es im kommenden Jahr werden. Die nächste entsteht in Kooperation mit dem Wuppertal Institut für Klima, Umwelt, Energie. Dann geht es um das Thema Pilze.

»Shared Spaces«, Kunsthalle Barmen, 18. Oktober bis 11. Januar 2025

kunsthallebarmen.de

Viel Bewegung im Kunstmuseum

Text: Max Florian Kühlem

14. Okt. 2024

Hannah Höch, Gewächse (Komposition aus Maschinenteilen), 1928, Öl auf Leinwand. Foto: Tino Kukulies

Das Team des Kunstmuseums Gelsenkirchen hat den 40. Geburtstag seines Museumsgebäudes genutzt, um die Sammlung neu zu präsentieren. In ihr finden sich große Namen von Gerhard Richter bis Paula Modersohn-Becker – und erstaunliche Werke kinetischer Kunst.

Dass die Ruhrkunstmuseen Schätze in ihren Sammlungen beherbergen, ist längst kein Geheimnis mehr. In den vergangenen Jahren wurde es in der Region zu einem regelrechten Trend, Sammlungen neu aufzubereiten. Besonders überraschend ist das Ergebnis, das jetzt im Kunstmuseum Gelsenkirchen zu bewundern ist. Hier hat das Team stark in die Architektur des Gebäudes eingegriffen, um eine neue Dauerausstellung zu kreieren.

Franz von Stuck, Käthe Kollwitz, Paula Modersohn-Becker, Emil Nolde, René Magritte, Gerhard Richter, Rebecca Horn – Werke dieser berühmten Kyünstler*innen sind nun im Kunstmuseum Gelsenkirchen versammelt. Daneben erscheint die außergewöhnliche Sammlung kinetischer Kunst in neuem Licht.

Im Stadtteil Buer hat die Stadt vor 40 Jahren einen Museumsneubau bekommen, der sich organisch an die Alte Villa an der Horster Straße schmiegt. Der Gründerzeitbau ist die Urzelle des Kunstmuseums. 1957 wurde dort zum ersten Mal gezeigt, was die Stadt seit Beginn der 50er-Jahre als Querschnitt der Kunstentwicklungen seit dem 19. Jahrhundert gesammelt hatte. Auch nach Eröffnung des Neubaus im Jahr 1984 hieß das Haus schlicht »Städtisches Museum«. 2008 kam die Umbenennung. Und jetzt nutzt das Kunstmuseum Gelsenkirchen das Jubiläum – 40 Jahre sind nach Eröffnung des Neubaus vergangen –, um unter dem Motto »Das alles haben wir« eine Neupräsentation der Sammlung zu zeigen. Und die ist wirklich gelungen.

Franz von Stuck: Selbstbildnis im Profil, um 1888, Öl auf Holz. Foto: Martin SchmüdderichSelbstbildnis im Profil

Wie der Museumsbau in Buer auf die Besucher*innen wirkt, kann man gut anhand eines Gemäldes von Gerhard Richter erzählen: Richter, der Anfang der 60er-Jahre aus der DDR nach Nordrhein-Westfalen floh, hat auch in Gelsenkirchen gearbeitet. Von einer seiner Fahrten existiert ein unscharfes Foto, das als sein Werk gehandelt wird. Er hat es aus dem Zug oder Auto von der Künstlersiedlung Halfmannshof geschossen, die in den 60er Jahren große Bedeutung hatte und wichtige Namen anzog.

1966 erwarb die Stadt Richters graues Gemälde »Korridor«, das wie viele zu dieser Zeit nach einer Fotografie entstanden ist und diese durch unscharfe Stellen leicht ins Irreale verschiebt. Der Amtskorridor korrespondiert nicht nur mit René Magrittes daneben hängenden »Le Grande Siècle«, das ebenfalls eine Raumflucht zeigt: Über den Rücken eines Mannes mit Melone schauen wir auf ein herrschaftliches Haus – der Himmel besteht allerdings aus einer tiefhängenden Zimmerdecke, was dem Ganzen einen surrealen Eindruck gibt.

Richters Bild korrespondiert auch mit dem gesamten Museumsbau. Der erinnert vielleicht nicht unbedingt durch seine verschachtelte Architektur an Amtshäuser, aber doch durch seine vielen Treppen und schmalen Türen. Kommt man hinein, ist nicht gleich klar, wo eigentlich die »bedeutenden« Kunstwerke hängen oder stehen. Jeder Mensch muss sich seine eigenen Schneisen schlagen. So verbergen sich auch die neuen Schatzkammern hinter unscheinbaren Türen: die Gemäldegalerie in der Mitte und ein großer Raum mit Nachkriegsmoderne und Pop-Art im Obergeschoss.

Skulpturen, Installationen und Objekte

Weil auch die Gelsenkirchener Sammlung, bedingt durch Zeit oder Zeitgeist nur wenig Arbeiten von Künstlerinnen beherbergt, sind zumindest Werke, die weibliche Figuren jenseits der klassischen Posen oder Akte zeigen, prominent vertreten. Der rheinische Maler Carl Barth etwa hat 1952 »Junge Frau am See (Anni in Hosen)« gemalt, ein ganzfiguriges Portrait seiner Ehefrau. Sie ist dargestellt in einem androgynen Stil, der in den 50er Jahren besonders modern und ausgefallen erschienen sein muss. Auch Lovis Corinth ist der Ehemann der Frau auf dem Gemälde »Die Malerin Charlotte Berend an der Staffelei« von 1902.

In einem schmalen Katalog für alle zum Mitnehmen geben Autor*innen über die Werke Auskunft. Man erfährt, dass sowohl Charlotte Berend als auch Anni Barth, die als Sekretärin an der Kunstakademie Düsseldorf arbeitete, ihren Männern den Rücken stärkten, indem sie etwa die Kinder betreuten, damit ihre Gefährten reisen konnten. Berend gab das Malen trotzdem nicht auf – allein die Tatsache, dass Corinth in Berlin Anfang des 20. Jahrhunderts eine Malschule für Frauen betrieb, deutet auf eine moderne Haltung und den Aufbruch klassischer Geschlechterrollen hin.

Neben exzellenten Gemälden wartet die Gelsenkirchener Sammlung mit Skulpturen, Installationen und Objekten auf – im Raum mit Nachkriegskunst sind etwa auch Mineralien und Edelsteine ausgestellt, die durch ihre Licht brechenden Effekte mit Werken der Op-Art korrespondieren. Ein Herzstück der Sammlung war außerdem immer die kinetische Kunst – Kunst also, die in Bewegung gerät. Das geschieht meistens durch einen Knopfdruck und eine elektro-mechanische Konstruktion.

Früher lag die kinetische Sammlung ein bisschen versteckt im Untergeschoss. Jetzt dagegen ist sie prominent in den Hauptausstellungsräumen präsentiert. Schon nach dem ersten Treppenaufgang auf dem Weg zur Gemäldegalerie kommt man am ersten Werk vorbei: Die Rede ist von Vassilakis Takis‘ »Gruppe von Signalen« (1968) – Lichtsignale, die an Teleskopstangen montiert sind. Museumsdirektorin Julia Höner, die für die gesamte Neupräsentation verantwortlich ist, hat sie vor einem Vorhang inszeniert wie eine Rockband auf einer Bühne, die per Bewegungssensor automatisch zu spielen anfängt, wenn jemand den Raum betritt.

Es gibt in der kinetischen Sammlung auch sehr fragile Werke, die nur in größeren Intervallen in Bewegung geraten dürfen. Für Ferdinand Büttgens Installation »Pershing« von 1986 etwa mussten extra Teile im 3D-Drucker hergestellt werden, weil sie heute nicht mehr zu bekommen sind. Alle halbe Stunde lassen sich per Schaltung Antennen ausfahren, die indes weit mehr als an Funkamateure denken lässt. Die Assoziationskette führt schnell zu kriegerischen Auseinandersetzungen und dem Abfeuern von (ferngelenkten) Waffen.

Eine aktuelle Position kinetischer Kunst begegnet in Form der Arbeit »Serafina’s Lover« von Rebecca Horn, die Anfang September im Alter von 80 Jahren gestorben ist. Der Zwitter, bestehend aus originalen Schmetterlingsflügeln einer sehr großen, bereits ausgestorbenen Art und einer mechanischen Konstruktion, gerät sogar nur alle zwei Stunden in Bewegung. Es lohnt sich, länger im spannenden Museumsbau zu bleiben, um den Flügelschlag des filigranen Wunderwerks zu beobachten.

»Das alles haben wir: die Sammlung für Gelsenkirchen«

bis 31. Dezember 2025

kunstmuseum-gelsenkirchen.de

»Seine Ordnung ist faszinierend«

Text: Max Florian Kühlem

16. Okt. 2024

Gerhard Richter, Blumen, 1977, Öl auf Leinwand, (c) Gerhard Richter 2024 (0225)

Markus Heinzelmann ist Professor für Kunstgeschichte an der Ruhr-Universität Bochum und hat für den Düsseldorfer Kunstpalast die erstaunliche Schau »Verborgene Schätze« mit teilweise noch nie gezeigten Werken Gerhard Richters kuratiert. Ein Gespräch über leere Wände und Lebensträume, Versicherungssummen und Schätze in Badezimmern.

kultur.west: Herr Heinzelmann, warum kam der Generaldirektor des Düsseldorfer Kunstpalastes Felix Krämer ausgerechnet auf Sie zu, um eine Ausstellung mit Gerhard-Richter-Werken aus privaten Sammlungen zusammenzustellen?
MARKUS HEINZELMANN: Ich habe 2008 als Direktor des Museums Morsbroich in Leverkusen die Ausstellung »Übermalte Fotografien« gemacht. Das war das erste Mal, dass dieser Teil von Gerhard Richters Werk systematisch präsentiert wurde. Bis dahin wurden die übermalten Fotografien eher unter der Hand gehandelt, er hat viele an Freund*innen verschenkt. Damals bin ich schon in Kontakt gekommen mit Sammler*innen und Freund*innen des Künstlers, Gerhard Richter selbst stand sehr hinter dem Projekt und wir haben eng mit ihm und seinem Studio zusammengearbeitet.

kultur.west: Hat Sie der Fokus auf Sammlungen im Rheinland gleich überzeugt?
HEINZELMANN: Ich habe erst überlegt: Ist das ein guter Ansatz? Aber wenn man einen Überblick bekommt, welche Sammlungen im Rheinland bestehen und welche Bedeutung die Sammler*innen für Richter hatten, dann ist das sehr faszinierend. Sowohl die privaten Sammler als auch Firmensammlungen hatten einen Einfluss auf sein Werk. Es gibt auch ein Zitat von ihm, in dem er die Sammler als »Mitarbeiter an meinem Werk« bezeichnet. Sie arbeiten mit, indem sie etwas akzeptieren, etwas kaufen, sich mit seiner Kunst auseinandersetzen.

kultur.west: Inwiefern haben die Sammler*innen wirklich Einfluss auf sein Werk gehabt?
HEINZELMANN: Nehmen wir die sehr großformatigen Gemälde, die 1986 die Victoria-Versicherung in Auftrag gegeben hat: Für sie hat Gerhard Richter zum ersten Mal in einem solchen Format frei gearbeitet, ohne Vorlage. Sie sind, wie ich finde, besonders bedeutend, wenn man sich die Zeit anguckt, in der sie entstanden sind: Das Unternehmen Haniel begann 1983 mit Bedacht, drei Gemälde zu kaufen. Und es hat Glück gehabt, weil er in dieser Zeit zum ersten Mal so malte, dass alle sofort sagen würden: Das sieht aus wie Gerhard Richter. Stark farbige, abstrakte, mit Rakeln bearbeitete Gemälde. Haniel hat nicht große Reklame für seinen Ankauf gemacht. 1985 machte dann Marian Goodman die erste Ausstellung mit Richter in den USA. Da wird es ganz groß, er erlebt seinen internationalen Durchbruch – und ein Jahr später kommt der Auftrag der Victoria-Versicherung, der ihn zu einer neuen Arbeitsweise bringt. Die Bilder verbleiben übrigens im Gebäude der Ergo-Versicherung, es gibt aber eine Wegeleitung vom Museum aus, das sind nur 250 Meter.

Gerhard Richter, Wolke, 1976, Öl auf Leinwand, Kunstpalast, Düsseldorf (c) Gerhard Richter 2024 (0225)

kultur.west: Was fasziniert die rheinischen Sammler*innen an Richter?
HEINZELMANN: Eine bedeutende Gruppe gehört zum sogenannten Aachener Kreis – das sind fast alles Ärzte und Wissenschaftler. Offensichtlich fühlen die sich von dieser Systematik angezogen, mit der Gerhard Richter ein Werkverzeichnis führt. Er fing damit 1969 an, als seine erste »Retrospektive« in Aachen gezeigt wurde. Damals führte es 122 Gemälde. Diese Systematik hat er beibehalten. Ich kenne eigentlich keinen anderen bedeutenden Künstler, der in dieser Ordnung ein Verzeichnis aufrecht hält. Schon als Studierender gibt es Äußerungen, dass er Disziplin hat, ordentlich gekleidet ist, den »liederlichen« Stil der Mitstudierenden nicht mag. Seine Ordnung übt eine Faszination aus. Vielleicht erinnern sich einige: Früher ging man an den Kiosk und kaufte sich Tütchen mit Aufklebe-Bildern. Die Faszination dabei war, dass es zumindest die theoretische Möglichkeit gab, etwas komplett zu kriegen.

kultur.west: Aber es ist doch unmöglich, Gerhard Richter komplett zu kriegen?
HEINZELMANN: Ja, natürlich. Viele Werke gab er direkt an Museen. Aber es gibt Teilbereiche wie die Editionen und es gibt einen Sammler wie den Essener Arzt Thomas Olbricht, das ist der Typ Komplettist und der einzige, der es geschafft hat, alle Editionen zu besitzen. Ausgerechnet »Wolfi«, die Nummer eins, der Hund, bei dem Richter die nasse Farbe nochmal verwischt hat, hat ihm ganz lange gefehlt. Jetzt hat er sogar zwei davon und er sagt, ihm sei damit ein Lebenstraum in Erfüllung gegangen.

kultur.west: War es schwierig, Sammler*innen dazu zu bringen, ihr Werke zu verleihen?
HEINZELMANN: Fast alle Arbeiten aus dieser Ausstellung hängen eigentlich in Wohnzimmern, Schlafzimmern, sogar in Badezimmern habe ich welche gesehen. Es gibt Sammler*innen, denen haben wir wirklich das Wohnzimmer ausgeräumt, und für viele ist das doch ein Verlust. Sie sagen: »Fünf Monate sitze ich im leeren Zimmer.« Einer hat gefragt, ob er eine Kompensation aus dem Kunstpalast erhalten könne, also ein anderes Werk, das den Platz füllt. Das ging leider nicht. Die Sammler bekommen auch keine Ausgleichszahlung. Wie soll das funktionieren? Wenn man nur ein Promille des Werts berechnet, ist man schnell im sechsstelligen Bereich. Aber die Werke sind natürlich gut versichert – und ein positiver Nebeneffekt für Sammler*innen ist, dass sie so eine aktuelle Bewertung ihres Besitzes erfahren.

kultur.west: Haben Sie wirklich Kunstwerke in Badezimmern gefunden?
HEINZELMANN: Ich habe einen privaten Sammler besucht, der mir über Freunde genannt wurde. Er hat ein fantastisches, graues Bild. Er ist Architekt und es hängt in seinem Büro. Als ich ihn besuchte, sagte er: »Komm mal mit, wenn dich das interessiert, wir gehen mal ins Badezimmer.« Da hing ein Aquarell, dem Architekten und Hochschullehrer Karl Wimmenauer gewidmet und von Gerhard Richter zum Geburtstag geschickt. Später hat es der Sammler erworben und ganz nonchalant an diesen Ort gehängt. Kunst im Badezimmer ist natürlich ein großes restauratorisches Problem.

Bis 2. Februar 2025

»Gerhard Richter. Verborgene Schätze. Werke aus rheinischen Privatsammlungen«

Kunstpalast Düsseldorf

kunstpalast.de

Markus Heinzelmann, Jahrgang 1965, stammt aus Frankfurt. Nach einem Kunstgeschichts-Studium mit Promotion in Münster, volontierte er am Sprengel Museum Hannover, arbeitete als Projektleiter für Bildende Kunst beim Münchener Siemens Arts Program und wechselte 2006 als Direktor an das Museum Morsbroich. 2008 wählte eine Kritiker*innenrunde seine Leverkusener Gerhard-Richter-Schau »Übermalte Fotografien« zur Ausstellung des Jahres. Ein Jahr später adelte der Internationale Kunstkritikerverband aica sein Haus zum »Museum des Jahres«, das er allerdings 2018 überraschend verließ. Heute ist er Professor für Museale Praxis an der Ruhr-Universität Bochum.

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